相信大家對 艾森 老師都相當的熟悉，不論與黃韻玲、李宗盛、瘐澄慶的專輯或演唱會中；甚至在華視超級星期天的節目中，大家都不難發現 艾森 老師的身影，他一頭長髮，令人醒目的舞臺動作，很快地就能吸引觀眾的目光。 艾森 老師是一位元相當忙碌的音樂人.
由於我的父母親聽的是古典音樂，因此在流行音樂上的知識，都是從同學朋友間得到的，我從15歲開始跟著朋友及大哥哥們學習吉他，1974-75年間，剛剛有funky bass的年代，雖然在唱片中有聽過funky的tone，但不知道是用怎樣的手法彈奏出來；在一次偶然的機會中，我碰到一個黑人樂團，覺得很好奇，所以跑去看他們表演，我才知道原來funky是那樣的彈奏方式，於是我就幫那位黑人貝斯手買咖啡、買菸，跟他做了朋友，並請他教我彈奏funky，才知道原來要把以前常用的flatwound琴弦換成roundwound、琴弦要稍微放低一些及相關的彈奏竅門，學了兩個星期之後，我就到練習室，其他的團員看見我用funky彈奏，都相當驚訝我怎麼會彈奏這種新的技巧，當時我才16.7歲。
由於我有買許多像guitarplayer及bassplayer相關的音樂雜誌，透過雜誌的介紹，所以我才決定去M.I.學習，在臺灣我算是第一批去M.I.學習的樂手，M.I.是一個注重performances及樂理的學校，不像Berklee比較學院且偏向正統，而且 那邊的 老師在當時都相當的走紅，譬如Billy Sheehan、Jeff Berlin等等。
我在M.I.的這段期間，對我影響最大的就是創意這方面，他們教導的方式完全與東方人學習的方式不同，譬如說，如果你學習彈奏歌曲中的一段東西完全一樣，西方人的眼中他們並不會認為是一件很偉大的事情，他們只是會認為你彈得不錯，但是他們會問你是否有你自己的東西？雖然你會彈Billy Sheehan、Jeff Berlin的歌曲，但是他們會一直問你有沒有自己的東西？他們的概念就是如此，連那邊小朋友都是；在亞洲的學習環境完全不一樣，大家都認為一定要學得像才會覺得你很棒，而在美國則是一定要有創意，不管你要怎麼彈那些音。在那邊我看見過一個貝斯手，他就將funky裏的poping彈奏中加入tapping，相當有創意；一次上Billy Sheehan的課時，他教導學生常用的彈奏技巧，後面馬上有學生向Billy Sheehan秀出他自己發明的彈奏技巧，所以在那邊的教學概念是完全不同的，在亞洲則是老師教什麼，學生就照著彈，在M.I.他們鼓勵並激發學生的創意，我覺得這點相當的重要。
另外，在M.I.我也學習到一個重要的概念，音樂沒有絕對的對與錯，雖然你彈奏的把位相當怪異，但是你卻能彈奏出好的東西，那就是OK的，他們不會一定要求你彈奏時的把位、甚至於規定彈奏的手指一定要對，但是他們會建議要怎麼彈奏會比較順手，這些概念到現在我還是覺得相當的重要。
我在16歲時看過Jeff Berlin的表演，當時我覺得他相當棒，在M.I.時唯一吸引我的就是Jeff Berlin了，他是一個相當聰明的人，但是他的個性比較難相處，他的能力不輸給許多頂尖的貝斯手，由於他個性的關係，所以我覺得他沒有得到他在音樂上應得的地位，我甚至覺得他的地位應該放在Stanley Clarke之前，但是因為他什麼都會，沒有特別突出的style，所以別人比較不會那麼注意他。
至於Billy Sheehan他是屬於performances型的樂手，在樂理方面他不算是相當的正統，我在Billy Sheehan那邊學習到他彈奏的精神、在臺上的態度以及如何當一名出色的藝人。
除此之外我也喜歡Jaco、Stanley、Larry Graham，在70年代Disco、Funk流行時，貝斯的Sound與以往不同，貝斯都很前面；還有加拿大的貝斯手Alain Caron我也相當喜歡，他對貝斯控制的能力很棒，我喜歡他更勝過Victor Wooten；還有Jimmy Haslip也是我喜歡的貝斯手，tower of power的Rocco也是我建議大家去聽的東西，他的難度不會比Jaco來的難，但是我喜歡他的groove，我在聽這些人的彈奏時，我先試著先抓出他們彈奏想要表達的精神，聽他們裏面的東西，當你聽出裏面的東西，你就可以發展出自己的彈奏，要先聽出精神及感覺後，再抓出音符，而非先抓出音符彈奏，這是很多人犯的錯誤。
我從來沒有想過當一名職業的樂手，而現在當一名職業的樂手，完全是很自然就發生的，我覺得當一名樂手不要完全限制在某種樂器上，我的感覺是，你不要當一名貝斯手，你要當一個音樂人，因為音樂是很大的，你要當一個音樂人，但是你是彈貝斯的，而不是只有一把貝斯來玩音樂。不管是吉他、鼓或者鍵盤，凡是跟貝斯有關的，我都會去摸一摸，要把自己當作一個音樂人，你的路才會寬廣；音樂對我來說只有好與不好兩種，我也聽古典樂、歌劇，我不會限制我自己不准聽鄉村樂，只要是好的音樂我都聽。
以前新加坡的原住民對西方來的音樂相當瘋狂，西方白人的流行樂團如Santana等都對他們產生相當大的影響，當然我也有受到影響；開始玩團後，我便在新加坡及臺灣兩地表演，我去M.I.之前就曾經待過臺灣玩團，由於臺灣是華人音樂的重心，而且唱片工業正值起飛時期，M.I.回來之後就一直留在臺灣發展，在臺灣曾經發行過一張樂團專輯（A to Z合唱團，光美唱片發行），發行專輯後，我們就成為年輕一代第一批進錄音室的樂手，除此之外我們還錄過李宗盛、黃韻玲及周華健等人的專輯；由於我們年紀與 李宗盛 老師相近，溝通起來比較方便，可以用玩的方式創作，譬如張艾嘉的「盲」這首歌，就是我們在錄音室中玩出來的，如果跟備份比較長的其他樂手，他可能就會不好意思開口來玩，這就是當時為何他喜歡找年輕的樂手的緣故，也因此我就慢慢進入錄音室了。
錄音的時候會比較悶，不比Live來得好玩，Live快歌的比率會比較多，而且自己發揮的空間比較沒那麼多限制，由於錄音時必須配合製作人與歌曲的要求彈奏的限制，漸漸地，我就很少當錄音樂手，於是我就開始作一些快歌的編曲工作，像哈林有許多快歌都使我編的，我可以按照我自己喜愛的風格及發揮我的想法，來製作編寫我歌曲。
除了先前與 李宗盛 老師合作之外，與我合作最多的就是哈林了，由於我們聽的東西類似，對彼此製作的風格都相當地瞭解，相對地，他就不會丟給我一些讓我困擾的東西來，因為每個人有每個人擅長的風格，我覺得做音樂不要像大炒鍋似地，好像什麼都能做，那一定做的不好。
要做好製作及編曲，最重要的就是資訊，你要去吸收尋找許多新的資訊，像我有做許多techno-rock的東西，這些資訊都是從國外來的，你要有了資訊之後，你才會知道這些東西是如何做出來的，我會比較喜歡英國的東西，因為他們的東西會比美國來得新。
現在做編曲製作的人太多了，他們已經佔有了固定的市場，所以要進入製作及編曲這一環節，就必須思考切入的方式，除了要找到自己比別人強的地方之外，還要將市場區隔出來，這樣切入才行。
國內最近流行樂團有興盛崛起的風氣，我覺得只要有像五月天這樣的樂團，能夠寫出好的歌曲，就會有被發掘的可能，因為好的歌曲不一定需要好的技巧，技巧的東西可以慢慢練習，而好的歌曲也不一定是相當困難的，可以照你的能力範圍來控制，但是歌曲寫得好就會成為他們的武器，旋律可以讓大家朗朗上口的歌就是好歌曲。
我覺得作一個好的樂手有兩個東西是相當重要的，就是IQ及EQ，要想做一個成功的樂手，除了IQ要高外EQ也要高，你看Queen、Beatles、Pink Floyd等樂團，他們都是學歷很高的人，除了天份之外，你的IQ及EQ都相當的重要，玩音樂玩樂器要用智慧去玩，要常常思考。
要想彈得好之前，你要先問你自己，你對音樂到底有多熱衷？如果你對音樂，對貝斯夠熱誠，那麼你一定會成功，因為你的熱誠，你一定會想盡辦法去進步，我從完全不會到會，也是因為我對音樂對貝斯的喜愛，就像我剛學貝斯一樣，只要我想到funky，我晚上就會睡不著，每天去找那個黑人，找到連他看見我都害怕，而不是每天空想如何彈好而不去付出努力。
我覺得彈奏時要表達的觀念是很重要的，技巧是其次，一個彈奏可以將它簡化，最重要的就是表達出想表達的idea，我覺得idea的表達勝於技巧，就我而言我可能不喜歡像Casiopia這樣的日本樂團，反而美國的fusion就很耐聽，因為他們會比較偏向groove而非技巧。
此外，想要進步一定要跟著拍子去玩，不論是click或者有鼓的節奏都可以，可以把你的彈奏錄音下來聽，你會發現你彈奏不好與好的地方，這樣你就知道你哪方面要再加強；還有你看到好的練習，就要把它們收集起來，我以前練習時很用功，看見bassplayer雜誌中有好的練習譜，我都會把他們收集在譜夾中，現在有些樂器行或者唱片行會賣一些附有CD的教學譜，裏面會有一些playalone的練習，練習中的pattern都相當不錯，可以放著pattern然後跟著彈奏，彈奏時可以把你自己的東西加進去，久而久之你就會發覺你進步了。
此外，你還必須吸收相當多的資訊，好比是多聽各種類型的音樂，來累積自己的sense，當你累積的東西夠多，只要節奏一下，你就會自然將你累積的東西反映出來，這個道理就好像讀書一樣，只要你書讀的夠多，相信你寫文章就不會有問題，而要累積這些東西必須日積月壘的經營，是沒有捷徑的。
最後，你一定要把傳統的東西丟掉，你才會有你自己的彈奏風格，要多去思考。
有時候做演唱會時，上臺前一定要先把彈奏的東西在腦海中想過一遍，否則上臺後歌曲一開使進行時，很有可能會因為緊張而出錯，當我們在腦海中跑過歌曲的一些細節之後，上臺後就不會緊張，你就會很穩，尤其當演唱會時更是可怕，人一上臺說不定鼓手就開始打了，而演唱會第一首歌都是快歌為主，所以事前準備是相當重要的；國外的樂手這點作的相當不錯，一方面可能是觀念好，另一方面則是他們表演的場次多，對歌曲都相當的熟練。
我在舞臺上會做出許多類似表演的視覺動作，基本上也跟前面談的概念一樣，要做出這些動作前，一定要想到下一步是什麼，否則當把琴舉起來彈或者轉動時，沒考慮到下一步的後果，很有可能會彈錯音，那不就糗了，至於這些的舞臺動作，我並沒有很刻意的去練習，純粹是臨場突發奇想，但重點是你一定要知道表演完這些動作的下一步是什麼，該彈什麼，千萬不要因為耍帥而毀了表演！
在短短的一個半小時的訪問中，我們可以深深地體會出 艾森 老師對音樂的熱誠，就如同他在舞臺上那令人眩燦的表演一般，或許做為一個藝人理當如此、做為一個樂手更應如此，時間對 艾森 老師來說一直是相當寶貴的，在這次的訪談中，相信大家除了學習到國外思考的學習模式外，最重要是對音樂的態度。
由於我的父母親聽的是古典音樂，因此在流行音樂上的知識，都是從同學朋友間得到的，我從15歲開始跟著朋友及大哥哥們學習吉他，1974-75年間，剛剛有funky bass的年代，雖然在唱片中有聽過funky的tone，但不知道是用怎樣的手法彈奏出來；在一次偶然的機會中，我碰到一個黑人樂團，覺得很好奇，所以跑去看他們表演，我才知道原來funky是那樣的彈奏方式，於是我就幫那位黑人貝斯手買咖啡、買菸，跟他做了朋友，並請他教我彈奏funky，才知道原來要把以前常用的flatwound琴弦換成roundwound、琴弦要稍微放低一些及相關的彈奏竅門，學了兩個星期之後，我就到練習室，其他的團員看見我用funky彈奏，都相當驚訝我怎麼會彈奏這種新的技巧，當時我才16.7歲。
由於我有買許多像guitarplayer及bassplayer相關的音樂雜誌，透過雜誌的介紹，所以我才決定去M.I.學習，在臺灣我算是第一批去M.I.學習的樂手，M.I.是一個注重performances及樂理的學校，不像Berklee比較學院且偏向正統，而且 那邊的 老師在當時都相當的走紅，譬如Billy Sheehan、Jeff Berlin等等。
我在M.I.的這段期間，對我影響最大的就是創意這方面，他們教導的方式完全與東方人學習的方式不同，譬如說，如果你學習彈奏歌曲中的一段東西完全一樣，西方人的眼中他們並不會認為是一件很偉大的事情，他們只是會認為你彈得不錯，但是他們會問你是否有你自己的東西？雖然你會彈Billy Sheehan、Jeff Berlin的歌曲，但是他們會一直問你有沒有自己的東西？他們的概念就是如此，連那邊小朋友都是；在亞洲的學習環境完全不一樣，大家都認為一定要學得像才會覺得你很棒，而在美國則是一定要有創意，不管你要怎麼彈那些音。在那邊我看見過一個貝斯手，他就將funky裏的poping彈奏中加入tapping，相當有創意；一次上Billy Sheehan的課時，他教導學生常用的彈奏技巧，後面馬上有學生向Billy Sheehan秀出他自己發明的彈奏技巧，所以在那邊的教學概念是完全不同的，在亞洲則是老師教什麼，學生就照著彈，在M.I.他們鼓勵並激發學生的創意，我覺得這點相當的重要。
另外，在M.I.我也學習到一個重要的概念，音樂沒有絕對的對與錯，雖然你彈奏的把位相當怪異，但是你卻能彈奏出好的東西，那就是OK的，他們不會一定要求你彈奏時的把位、甚至於規定彈奏的手指一定要對，但是他們會建議要怎麼彈奏會比較順手，這些概念到現在我還是覺得相當的重要。
我在16歲時看過Jeff Berlin的表演，當時我覺得他相當棒，在M.I.時唯一吸引我的就是Jeff Berlin了，他是一個相當聰明的人，但是他的個性比較難相處，他的能力不輸給許多頂尖的貝斯手，由於他個性的關係，所以我覺得他沒有得到他在音樂上應得的地位，我甚至覺得他的地位應該放在Stanley Clarke之前，但是因為他什麼都會，沒有特別突出的style，所以別人比較不會那麼注意他。
至於Billy Sheehan他是屬於performances型的樂手，在樂理方面他不算是相當的正統，我在Billy Sheehan那邊學習到他彈奏的精神、在臺上的態度以及如何當一名出色的藝人。
除此之外我也喜歡Jaco、Stanley、Larry Graham，在70年代Disco、Funk流行時，貝斯的Sound與以往不同，貝斯都很前面；還有加拿大的貝斯手Alain Caron我也相當喜歡，他對貝斯控制的能力很棒，我喜歡他更勝過Victor Wooten；還有Jimmy Haslip也是我喜歡的貝斯手，tower of power的Rocco也是我建議大家去聽的東西，他的難度不會比Jaco來的難，但是我喜歡他的groove，我在聽這些人的彈奏時，我先試著先抓出他們彈奏想要表達的精神，聽他們裏面的東西，當你聽出裏面的東西，你就可以發展出自己的彈奏，要先聽出精神及感覺後，再抓出音符，而非先抓出音符彈奏，這是很多人犯的錯誤。
我從來沒有想過當一名職業的樂手，而現在當一名職業的樂手，完全是很自然就發生的，我覺得當一名樂手不要完全限制在某種樂器上，我的感覺是，你不要當一名貝斯手，你要當一個音樂人，因為音樂是很大的，你要當一個音樂人，但是你是彈貝斯的，而不是只有一把貝斯來玩音樂。不管是吉他、鼓或者鍵盤，凡是跟貝斯有關的，我都會去摸一摸，要把自己當作一個音樂人，你的路才會寬廣；音樂對我來說只有好與不好兩種，我也聽古典樂、歌劇，我不會限制我自己不准聽鄉村樂，只要是好的音樂我都聽。
以前新加坡的原住民對西方來的音樂相當瘋狂，西方白人的流行樂團如Santana等都對他們產生相當大的影響，當然我也有受到影響；開始玩團後，我便在新加坡及臺灣兩地表演，我去M.I.之前就曾經待過臺灣玩團，由於臺灣是華人音樂的重心，而且唱片工業正值起飛時期，M.I.回來之後就一直留在臺灣發展，在臺灣曾經發行過一張樂團專輯（A to Z合唱團，光美唱片發行），發行專輯後，我們就成為年輕一代第一批進錄音室的樂手，除此之外我們還錄過李宗盛、黃韻玲及周華健等人的專輯；由於我們年紀與 李宗盛 老師相近，溝通起來比較方便，可以用玩的方式創作，譬如張艾嘉的「盲」這首歌，就是我們在錄音室中玩出來的，如果跟備份比較長的其他樂手，他可能就會不好意思開口來玩，這就是當時為何他喜歡找年輕的樂手的緣故，也因此我就慢慢進入錄音室了。
錄音的時候會比較悶，不比Live來得好玩，Live快歌的比率會比較多，而且自己發揮的空間比較沒那麼多限制，由於錄音時必須配合製作人與歌曲的要求彈奏的限制，漸漸地，我就很少當錄音樂手，於是我就開始作一些快歌的編曲工作，像哈林有許多快歌都使我編的，我可以按照我自己喜愛的風格及發揮我的想法，來製作編寫我歌曲。
除了先前與 李宗盛 老師合作之外，與我合作最多的就是哈林了，由於我們聽的東西類似，對彼此製作的風格都相當地瞭解，相對地，他就不會丟給我一些讓我困擾的東西來，因為每個人有每個人擅長的風格，我覺得做音樂不要像大炒鍋似地，好像什麼都能做，那一定做的不好。
要做好製作及編曲，最重要的就是資訊，你要去吸收尋找許多新的資訊，像我有做許多techno-rock的東西，這些資訊都是從國外來的，你要有了資訊之後，你才會知道這些東西是如何做出來的，我會比較喜歡英國的東西，因為他們的東西會比美國來得新。
現在做編曲製作的人太多了，他們已經佔有了固定的市場，所以要進入製作及編曲這一環節，就必須思考切入的方式，除了要找到自己比別人強的地方之外，還要將市場區隔出來，這樣切入才行。
國內最近流行樂團有興盛崛起的風氣，我覺得只要有像五月天這樣的樂團，能夠寫出好的歌曲，就會有被發掘的可能，因為好的歌曲不一定需要好的技巧，技巧的東西可以慢慢練習，而好的歌曲也不一定是相當困難的，可以照你的能力範圍來控制，但是歌曲寫得好就會成為他們的武器，旋律可以讓大家朗朗上口的歌就是好歌曲。
我覺得作一個好的樂手有兩個東西是相當重要的，就是IQ及EQ，要想做一個成功的樂手，除了IQ要高外EQ也要高，你看Queen、Beatles、Pink Floyd等樂團，他們都是學歷很高的人，除了天份之外，你的IQ及EQ都相當的重要，玩音樂玩樂器要用智慧去玩，要常常思考。
要想彈得好之前，你要先問你自己，你對音樂到底有多熱衷？如果你對音樂，對貝斯夠熱誠，那麼你一定會成功，因為你的熱誠，你一定會想盡辦法去進步，我從完全不會到會，也是因為我對音樂對貝斯的喜愛，就像我剛學貝斯一樣，只要我想到funky，我晚上就會睡不著，每天去找那個黑人，找到連他看見我都害怕，而不是每天空想如何彈好而不去付出努力。
我覺得彈奏時要表達的觀念是很重要的，技巧是其次，一個彈奏可以將它簡化，最重要的就是表達出想表達的idea，我覺得idea的表達勝於技巧，就我而言我可能不喜歡像Casiopia這樣的日本樂團，反而美國的fusion就很耐聽，因為他們會比較偏向groove而非技巧。
此外，想要進步一定要跟著拍子去玩，不論是click或者有鼓的節奏都可以，可以把你的彈奏錄音下來聽，你會發現你彈奏不好與好的地方，這樣你就知道你哪方面要再加強；還有你看到好的練習，就要把它們收集起來，我以前練習時很用功，看見bassplayer雜誌中有好的練習譜，我都會把他們收集在譜夾中，現在有些樂器行或者唱片行會賣一些附有CD的教學譜，裏面會有一些playalone的練習，練習中的pattern都相當不錯，可以放著pattern然後跟著彈奏，彈奏時可以把你自己的東西加進去，久而久之你就會發覺你進步了。
此外，你還必須吸收相當多的資訊，好比是多聽各種類型的音樂，來累積自己的sense，當你累積的東西夠多，只要節奏一下，你就會自然將你累積的東西反映出來，這個道理就好像讀書一樣，只要你書讀的夠多，相信你寫文章就不會有問題，而要累積這些東西必須日積月壘的經營，是沒有捷徑的。
最後，你一定要把傳統的東西丟掉，你才會有你自己的彈奏風格，要多去思考。
有時候做演唱會時，上臺前一定要先把彈奏的東西在腦海中想過一遍，否則上臺後歌曲一開使進行時，很有可能會因為緊張而出錯，當我們在腦海中跑過歌曲的一些細節之後，上臺後就不會緊張，你就會很穩，尤其當演唱會時更是可怕，人一上臺說不定鼓手就開始打了，而演唱會第一首歌都是快歌為主，所以事前準備是相當重要的；國外的樂手這點作的相當不錯，一方面可能是觀念好，另一方面則是他們表演的場次多，對歌曲都相當的熟練。
我在舞臺上會做出許多類似表演的視覺動作，基本上也跟前面談的概念一樣，要做出這些動作前，一定要想到下一步是什麼，否則當把琴舉起來彈或者轉動時，沒考慮到下一步的後果，很有可能會彈錯音，那不就糗了，至於這些的舞臺動作，我並沒有很刻意的去練習，純粹是臨場突發奇想，但重點是你一定要知道表演完這些動作的下一步是什麼，該彈什麼，千萬不要因為耍帥而毀了表演！
在短短的一個半小時的訪問中，我們可以深深地體會出 艾森 老師對音樂的熱誠，就如同他在舞臺上那令人眩燦的表演一般，或許做為一個藝人理當如此、做為一個樂手更應如此，時間對 艾森 老師來說一直是相當寶貴的，在這次的訪談中，相信大家除了學習到國外思考的學習模式外，最重要是對音樂的態度。
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